“El arte no va de entender sino de tener experiencias”

Continúa el XIX Ciclo de Música Contemporánea esta noche con el Concierto de ReConvert Project ‘Dos espacios' a las 21.00 horas en el Museo Vostell

Laura Sánchez MALPARTIDA DE CÁCERES 04 Oct 2017

Continúa el XIX Ciclo de Música Contemporánea esta noche con el Concierto de ReConvert Project ‘Dos espacios’. Para ello, contará con el dúo formado por el extremeño Roberto Maqueda y el canario Víctor Barceló, así como con la colaboración especial del compositor y artista sonoro Alberto Bernal, en un concierto fuera de lo convencional que arrancará con la pieza creada por Bernal ‘300 kg de música’, en la que un automóvil será convertido en un instrumento de percusión gigante.

Hablamos con Alberto Bernal, que además de compositor es codirector del Máster en Composición Electroacústica del CSKG (Madrid) y profesor de Análisis y Técnicas de Composición en el Conservatorio Superior de Música de Aragón.

¿Que supone para usted como artista el Museo Vostell?

El Museo representa algo con lo que empatizo mucho que es el hecho de que el arte no son etiquetas de disciplinas, sino que es simplemente arte sin más. En ese sentido Vostell es un artista total. Trabajaba con los medios que más le interesaba para cada momento y eso hace que su obra desborde no sólo las disciplinas artísticas sino también la separación entre el arte y la vida. Y eso para mi es fundamental como artista.

Es un honor y un privilegio el poder estar aquí y que mi obra dialogue con la obra de Vostell

Forma parte del XIX Ciclo de Música Contemporánea del Museo Vostell, ¿qué significa para usted como artista?

Es un honor y un privilegio el poder estar aquí esta tarde y que mi obra dialogue con la obra de Vostell porque esa disolución de disciplinas artísticas para mi ha sido muy importante en mi obra y últimamente cada vez tiene más fuerza. Mi formación es musical pero mis obras también se salen hacia otros campos como la performance, incluso la danza por la presencia del movimiento... y creo que hacerlo en un museo como este es casi su hábitat natural.

¿Cómo fue el salto a la integración de otras disciplinas en su composición musical?

Para mí fue algo con lo que poco a poco me fui encontrando. Me empecé a plantear, por ejemplo, la relación con la realidad que yo encontraba desde las grabaciones de campo, por tener esa especie de ventana abierta hacia como suena la realidad. Y en un momento dado empecé a plantear, y qué problema sería si a veces utilizara videos también como una forma de relacionarme con lo real. Y así poco a poco cada vez fui haciendo más obras que utilizan un plano de video sin dejar de ser música, fue un camino gradual que fue descubriendo a medida que fue necesitando elementos.

La performance es algo parecido. A veces como compositor tenía la necesidad de estar presente en mis obras por recortar esa distancia que hay entre ese momento en que estás en tu estudio trabajando y cuando se hace la obra. El hecho de que la obra se puede hacer también en ese momento con mi presencia me ha hecho caminar a disciplinas que están asociadas a otras como la performance, etc. pero sin casi nunca abandonar el hecho sonoro. Con lo cual no es un salto de una disciplina a otra sino dejar que unas disciplinas te influyan hasta el punto de crear una impureza en tu propia disciplina.

¿Qué es lo que se encontrará el espectador en la puesta en escena?

El concierto tiene dos partes; La primera es una obra mía y la segunda tiene varias obras de Víctor Barceló, Simon Steen-Andersen, Thomas Meadowcrofty Alexander Schubert.

En la primera parte se presenta mi obra '300 kilos de música', concebida para dos percusionistas, un coche y performer, que sería yo. La obra plantea la idea de trabajar con el peso de la tradición. Es decir, yo como compositor del 2017 me he formado de una serie de años donde vas aprendiendo las diferentes técnicas y músicas desde hace mil años hasta ahora prácticamente, y sin dejar de ser muy bonito, también es una losa y cuando te pones a crear tienes toda esa mochila de gente que te ha precedido y esta obra trata mucho de eso.

"Mi obra '300 kilos de música' plantea la idea de trabajar con el peso de la tradición"

¿Cómo comenzó su vínculo con ReConvert Project?

Ellos se caracterizan por buscar y promover obras que tengan una estética de ruptura de disciplinas y esa idea de ReConvert Project va un poco por ahí. Ellos hacen obras de compositores de las últimas generaciones especialmente, que tienen esta idea de música expandida, esta tarde habrá una obra que es solo para video de simon Steen-Andersen, otras tienen audio y video y tienen un diálogo, obras que juegan con el movimiento... y ahí era natural mi colaboración con ellos. El año pasado hubo un encargo para el festival Sirga y trabaje esta obra con ellos.

¿Considera que para disfrutar de una obra hay que entenderla?

Depende lo que entendamos por “entender”. Cuando uno tiene una experiencia chocante con una obra de arte, suele poner un poco la excusa de que no la entiende. Pero en realidad, ¿quien entiende una sonata de Beethoven? En el fondo tampoco tiene ninguna explicación. Es decir, el arte no va de entender sino va de tener experiencias.

Es cierto que si alguien la música más reciente que ha escuchado ha sido de Ravel, pues probablemente va a tener problemas en hacer vínculos con músicas más actuales. Pero precisamente que el discurso musical no sean solamente sonidos sino que haya otro tipo de estímulos, ya sean visuales, de movimiento, conceptuales... es algo que estamos explorando bastante. De hecho, que la música se expanda precisamente hacia otros campos, me parece una manera muy interesante de que otros públicos puedan tener acceso a ella sin perder el compromiso por un discurso actual y a veces difícil no de entendimiento si no de realidad.

Como profesor, ¿cree que se puede enseñar a percibir la belleza de una obra de arte y se puede educar en arte?

"Creo que la educación en arte lo que sí consigue en un 90 por ciento de las veces es que se valoren las obras de arte, y eso es un primer paso para poder disfrutar de ellas"

No hay una educación para ser artistas de primera línea pero creo que la educación lo que sí consigue en un 90 por ciento de las veces es que se valoren las obras de arte, y eso es un primer paso para poder disfrutar de ellas y estar abiertos a que esa obra te comunique algo porque el arte al final tiene que ver con una comunicación, no necesariamente verbal. No hay que perder de vista que la educación emocional es fundamental, no para que los artistas nos hagamos entender sino que es fundamental para que los que no son artistas se relacionan con todo aquello que al final es lo que nos separa de otros animales, ese algo irracional que tiene el arte y que las cosas no se hagan solo por una utilidad directa sino por algo que no sabemos muy bien qué es.

Próximo proyecto...

En tres semanas tengo un estreno en el Festival After Cage en Pamplona para cuatro instrumentos y pone la crítica sobre la ciudad actual que tenemos. Lo que he hecho es grabar en puntos en ciudades como Madrid o Nueva York y reproducirlos con el mismo nivel de decibelios con el que fueron grabados y cómo los cuatro instrumentos se relacionan con eso.

¿Le gustaría añadir algo?

A veces lo que tienes al lado no se le presta mucha atención porque sabes que va a estar ahí siempre y creo que tengo ese privilegio de la mirada de un extraño hacia lo que tenéis aquí, y este Museo y este festival que para la escena de la música contemporánea, y del arte pensando en el museo, es algo realmente increíble. A mí me gustaría que esto sucediera en Madrid y no tenemos algo así. Y los que estáis más cerca aprovecharia para disfrutarlo todo lo que se pueda.

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